jueves, 29 de enero de 2015

Trailer de Child 44

Lionsgate acaba de publicar el primer trailer de Child 44, adaptación de una novela del mismo título (escrita por Tom Rob Smith), y situada en la Unión Soviética en 1952, que narra en clave de thriller la historia de Leo Demidov, un héroe de guerra que es desterrado junto a su mujer por el Gobierno soviético cuando empieza a investigar una serie de crímenes. En su destierro, sólo tiene el apoyo de su mujer para intentar esclarecer los hechos.

Reparto potente (Tom Hardy, Gary Oldman y Noomi Rapace) dirigido por Daniel Espinosa (El invitadoSafe House -, 2012).

Pinta bien.


miércoles, 28 de enero de 2015

Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014)



¡Enorme y feliz sorpresa esta Nightcrawler! Desde ya una de las películas Top del cine USA del pasado 2014, y junto a Perdida (Gone girl), la gran olvidada de los Oscar (y de la temporada de premios en general), aunque una vez vista, "entiendo" ese olvido porque estamos ante la cinta con más mala ostia del año, un puñetazo al estómago seco, duro y contundente, un viaje a lo más sórdido de la condición humana, rebajada a lo que sea (y quiero decir, literalmente, lo que sea) por tal de conseguir una exclusiva, del morbo, de cuánto más sórdido mejor, por unos míseros puntos de share.

Esta cinta supone el debut en la dirección del guionista Dan Gilroy (también autor del libreto de la película), guionista de El legado de Bourne (The Bourne Legacy, 2012) y Acero puro (Real steel, 2011) y donde seguimos las andanzas de Louis Bloom, un tipo solitario, que sobrevive con pequeños hurtos y trapicheos, con un piquito de oro para intentar aparentar seguridad en sí mismo y convencer a su interlocutor, y que descubre una nueva forma de ganarse la vida que es ir grabando cualquier tipo de suceso (atraco, tiroteo, incendio, etc...) que ocurra por la noche en Los Ángeles para venderlo a una televisión local para que lo emitan en el informativo de primera hora de la mañana. Y en este viaje, vemos como su inmoralidad e ilegalidad va in crescendo, hasta convertirse en uno de los mayores hijos de la gran puta que he visto en muchos años en una película. Tal cual. No sólo roba para conseguir el material de grabación, sino que explota laboralmente a un chaval al que contrata para que le ayude, manipula las escenas de los accidentes o tiroteos para lograr mayor dramatismo a sus vídeos e incluso llega a sabotear la furgoneta de un rival para que tenga un accidente y se lo quite de enmedio y, en el colmo (como si lo anterior no fuera ya suficiente), engaña a su ayudante para que un narco le mate y pueda grabarlo.

Este Louis Bloom es un personaje muy rico y complejo: solitario, pero a la vez amargado y frustrado por no haber conseguido lo que el cree que se merece (reconocimiento público, dejar de ser un do nadie). Es rencoroso, vengativo, frío y muy calculador. Como digo, es un cabrón sin ningún tipo de escrúpulos... Pero que gracias al excepcional trabajo de Gyllenhaal, con su caracterización, su actuación corporal y su uso de la voz, totalmente vivo y creíble. Un tipo que se mueve como pez en el agua entre lo más bajo de lo más bajo, y que encima sobrevive de manera que te deja, como espectador, una sensación de impotencia y rabia como no había sentido en mucho tiempo viendo una película.
Gyllenhaal se está forjando una carrea tremenda, donde demuestra su versatilidad a cada peli que hace. No es que sea uno de los mejores (sino el mejor) actores de su generación, es que creo que, ahora mismo, es uno de los actores top del cine USA.

Como e comentado antes, la película no es nada complaciente, no sólo por Louis Bloom, sino por quien le rodea, como Nina, interpretada por René Russo, la productora del turno de noche de la cadena local a la que Bloom vende sus vídeos. Otro personaje despreciable porque no sólamente no tiene ninguna ética profesional, sino que anima a la gente como Bloom a que le siga trayendo más material de ese tipo, porque en el fondo, sabe lo qué es lo que vende. Sabe que la sociedad también se siente atraída por el morbo de lo truculento, del sensacionalismo, y ella lo sabe y se lo sirve en bandeja de plata. Excepcional la secuencia, tras el clímax, en el que, emocionada por las imágenes que le ha traído Bloom (donde manipula a la policía para conseguir una detención y engaña a su ayudante para que lo maten y tenerlo grabado), le da las gracias por la calidad del material que le ha traído. 

A mí se me cayó el alma a los pies. No es que sea un alma cándida, ni mucho menos, pero yo no tengo estómago para hacer lo que hacen estos personajes, y como sé que estos comportamientos ocurren en la vida real, me deja más a cuadros todavía.

Como digo, esta cinta no deja títere con cabeza, y es tremendamente descorazonadora. Te muestra las miserias humanas (y de la sociedad como conjunto) de una manera muy cruda, directa y seca. Como digo, una película muy incómoda para premiar. Es verdad que, por ejemplo, Denzel Washington y Daniel Day-Lewis han sido premiados por interpretar a personajes "malos, por así decirlo, como el Teniente Alonzo o Daniel Plainview, pero es que el nivel de hijoputismo que tiene la película en general, y Louis Bloom en particular, es de nivel Maestro de Maestros. En serio.

La historia está pperfectamente construída, y somos partícipes de la evolución de Bloom de raterillo a auténtico desgraciado de manera milimétricamente estudiada: la evolución es constante pero fluída, in crescendo, sin pausa, pero tampoco atropelladamente, con personajes muy bien escritos y ricos en matices y lados oscuros (hasta el ayudante de Bloom es un cabroncete, pues le amenza con desvelar todos sus chanchullos y manipulaciones de escenas si no le paga más dinero, y es lo que provoca la venganza de Bloom, que le cuesta la vida), y la dirección de Gilroy es enérgica. La puesta en escena es tremenda, con un look muy bueno, y aquí hay que felicitar el trabajo de Rober Elswitt como director de fotografía, captando el look nocturno de Los Ángeles, que se convierte en un personaje más de la película.

Una película excelente. Necesaria, incómoda, pero excelente. 

Peliculón.


martes, 27 de enero de 2015

Birdman (Alejandro G. Iñarritu, 2014)




Algo ha cambiado en Alejandro G. Iñárritu, puede que sólo de forma temporal, o quizás sea permanente, pero algo ha cambiado con esta cinta, donde deja a un lado los dramas extremos (quizás demasiado extremos) de Amores perros, 21 gramos, Babel o Biutiful por la comedia (negra) y el realismo mágico en esta cinta que, desde ya, opino que tiene mucho mejor envoltorio que contenido, aunque el contenido no sea despreciable, en absoluto, pues tiene muchas cosas interesantes.

Para empezar, Birdman es una carta de amor hacia los actores y su trabajo, y quizás por eso, y sólo por eso, tenga más reconocimiento a nivel de premios del que debiera, o al menos más sobre otras cintas superiores en cuanto a forma y fondo. No hay que olvidar que los actores son el grupo más numeroso de esta industria, y que como bien representa la cinta, su ego es demasiado grande, y este regalo que les hace Iñárritu se lo van a agradecer siempre.

Como digo, Birdman es una disección de la profesión de actor, de sus inquietudes y miedos, de sus excentricidades y una crítica a la industria como concepto en sí: si no eres trending topic, si no estás en facebook, si no hablan de ti millones de personas, no eres nadie, y eso es un golpe duro para una profesión que es, básicamente, ego. La película utiliza las vicisitudes que ocurren durante los ensayos de una obra de teatro para presentarnos un grupo de actores, que en el fondo son la representación más o menos cómica, de ciertos estereotipos: la gran estrella venida a menos que intenta ganar prestigio con una obra de teatro, el actor de método, la actriz insegura, el agente mentiroso y cabrón, la hija ex-yonki de la gran estrella, etc... Uno de los aciertos de la película, aparte de su acabado formal (del que luego hablaré), es su casting, perfecto, donde sobresalen por encima del resto Michael Keaton, Edward Norton y Emma Stone. Aquí tengo que hacer algunas puntualizaciones:

1.- Zack Galifanakis, Naomi Watts, Amy Ryan y Andrea Riseborough están estupendos, que conste en acta, pero sus papeles tienen menos chicha que el trío principal.

2.- Michael Keaton está muy bien porque hace de sí mismo. Es decir, de antigua estrella de cine venida a menos por sus limitaciones técnicas. Y Keaton es así. Carismático pero no es el mejor actor del mundo (de hecho, Norton y Stone se zampan la peli ellos solitos... Menudo año se ha cascado Norton con El gran hotel Budapest y Birdman). Él es consciente y entra en el juego, lo que le honra y demuestra su sentido del humor sobre sí mismo.

3.- Como he dicho en el punto anterior, Stone y Norton se comen la película, algo más Norton, que está. directamente, sublime. Es la versión mágica del Kirk Lazarus de Robert Downey Jr en Tropic Thunder, la crítica al actor del método, al capullo que se cree mejor que todos y que llega hasta extremos burdos para representar su papel. También es otro ejercicio de autoconsciencia por parte de Norton, cuya fama de difícil le ha generado muchos problemas, a pesar de su enorme talento.
Stone tiene el papel más discursvo, y por tanto, en parte más difícil, ya que era fácil caer en la sobreactuación, pero sale muy indemne de ello (ver al respecto la secuencia donde abronca a su padre).

El otro punto fuerte de la película es su puesta en escena, su acabdo visual, su fotografía, y aquí sólo cabe levantarse y aplaudir a Emmanuel Lubezki, que a hecho méritos para llevarse todos los premios de fotografía este año con su falso plano secuencia para toda la película. Hay cierta discusión acerca de la conveniencia o no, a nivel narrativo, del uso de esta herramienta, y yo creo que es muy acertado. Consigue que el espectador sienta que está en una obra de teatro, como los protagonistas, y a la vez, hace posible ese tono de realismo mágico, con esas transiciones imposibles. En ese sentido, las secuencias de Times Square y el vuelo de Birdman que acaba con la llegada del taxi son las máximas expresiones de ese apabullamiento técnico y formal y de ese realismo mágico.

Por contra, como dije al principio de mi comentario, la película creo que adolece de una falta de sustancia en cuanto al texto. La veo como una simple carta de amor a la profesión de actor, Nada más. Con un envoltorio apabullante, eso sí, pero con muy poco que rascar a nivel de texto. Y muy discursiva, quizás en exceso, en su tercio final, como la mencionada bronca de Sam a Riggan, o la discusión entre Riggan y la crítica, que en mi opinión es un poco burda como defensa del trabajo actoral y muy de brocha gorda respecto al trabajo del crítico.

No obstante, y a pesar de no ser una cinta perfecta, me parece una película muy recomendable.

Paramount adelanta el estreno de Mission:Impossible V


Paramount Pictures ha anunciado el adelanto del estreno de la nueva película de Misión: Imposible 5 meses, pasando del 25 de Diciembre al 31 de Julio.

Es decir, que ha pasado de enfrentarse a la nueva entrega de Star Wars a enfrentarse con Jake Gyllenhal en Southpaw, drama ambientado en el mundo del boxeo, dirigida por Antoine Fuqua.

Movimiento listo por parte de Paramount. Eso sí, o tienen la cinta a punto de terminar o la factura se les va a ir de las manos porque correr es lo que tiene (aparte de un posible acabado más chapucero).

martes, 20 de enero de 2015

El francotirador (American Sniper, Clint Eastwood, 2014)



Clint Eastwood es un grande del cine americano. Lo ha demostrado sobradamente y a sus 84 años sigue dirigiendo como pocos saben... Pero Eastwood también es muy americano, en el patriótico sentido de la palabra, y esta historia le ha venido como anillo al dedo.

Empiezo diciendo que esta película me ha decepcionado un poco, más por su texto que por su aparato formal (aunque tiene dos o tres detalles impropios de un tío con el nivel de Eastwood), que sigue siendo excelente, por cuanto Eastwood es el último representante del clasicismo a la hora de planificar, rodar y montar una película.

Como he comentado, Eastwood es muy americano, en cuanto a patriotismo (aunque vaya a su bola), y nunca lo ha negado ni ha renegado de ello (ni tiene por qué hacerlo), y la historia de Chris Kyle le ha venido como anillo al dedo, pues una historia, no sólo en su base argumental, sino también en su desarrollo muy americana, en cuanto a conexión ideológica y sentimental del personaje protagonista con las audiencias estadounidenses (de hecho, lo está petando allí, pulverizando todos los récords de taquilla), basándolo en la idea de Dios-Patria-Familia... Y como digo, si bien en USA lo está petando, no tengo muy claro que esta cinta triunfe más allá de sus fronteras debido precisamente a esto. Es una película tan americana, que creo que sólo ellos son capaces de entender y sacarle el jugo a la película, porque desde luego yo no he sabido o podido hacerlo.

Quizás la culpa ha sido mía por esperar otra película e Eastwood nos ha hecho un "Zas! En toda la boca" épico porque nos ha dado exactamente lo que él quería ofrecer, y no lo que un europeo esperaba: algo por y para el público estadounidense.

Debido a esto, la película tiene un problema, a mi entender, básico, y es la desconexión emocional con el personaje de Chris Kyle, lo que llevado al extremo, hace que no me importara nada de lo que ocurre y que fuera perdiendo interés rápidamente por la película. Kyle es un texano de manual, con una educación muy religiosa (la secuencia de la comida familiar, con el padre explicando a Kyle y a su hermano que en el mundo hay tres tipos de personas: lobos, ovejas y perros pastores, a consecuencia de una pelea de los hermanos en el colegio es muy representativa), un cowboy súper patriota que cuando ve por la tele los atentados de Al Qaeda se alista porque tiene que proteger a su país, bla, bla, bla, con un entrenamiento durísimo (aquí está expuesto el espíritu de superación)... Como digo, todo muy "Made in the USA", y esa forma de ver el mundo tan blano-o-negro, sin grises, no la entiendo y hace que te vayas distanciando poco a poco de la película. Además, la cinta toca algunos palos pero no se adentra en ninguno: todos los iraquíes son terroristas malosos, y los pocos que no lo son, mueren a manos de sus malosos y terroristas compatriotas (una descripción muy maniquea de la situación); el conflicto entre los sentimientos de Kyle por volver a Iraq para ayudar y proteger a sus compañeros con su mujer, que no quiere que vuelva, sobre todo cuando tienen hijos, está planteado y desarrollado de forma muy esquemática y simple, sin profundizar ni en lo uno ni en lo otro; luego tenemos esa especie de archienemigo en la forma del francotirador iraquí, que recuerda mucho a Enemigo a las puertas (Enemy at the gates, Jean Jaques Annaud, 2001) pero que se vuelve a quedar en tierra de nadie porque tampoco es uno de los focos de la película... Es decir, a nivel de texto, está todo muy disperso. Quieren abarcar mucho, y al final no profundizan en nada. Por supuesto, de las motivaciones o derivaciones políticas de la intervención militar en Iraq ni entran, total, para qué, si eso al público USA no le importa, y el remate es el giro que tiene el personaje de Kyle, que de la noche a la mañana, y a consecuencia de una sólo acción, pasa de ser un yonki de la guerra, muy patriótico él y tal, para querer volver a su casa y no querer saber nada más de la guerra (y aquí, tenemos uno de los momentos más surrealistas: en medio de un tiroteo infernal, el personaje de Kyle no se le ocurre otra cosa que llamar a su mujer para decirla, medio llorando, que ya está listo para volver a casa... WTF!!!). El personaje de Kyle no tiene una evolución psicológica clara a lo largo de la película, y eso es un problema achacable al guión, que quizás debería haberse limado más, porque no es creíble de de repente, con tres pinceladas muy breves a lo largo de 100 minutos nos creamos ese giro que da. 

Todo esto a nivel de guión, pero a nivel formal hay algunas cosas que me han chirriado, como la cámara lenta cuando Kyle abate al francotirador iraquí, impropia de un tío con la clase de Eastwood, rozando la comedia involuntaria en su afán de buscar la epicidad para ese momento (me ha recordado a la cámara lenta que emplea Shyamalan al final de El bosque, cuando el personaje de Ivy escapa del de Noah) y el empleo de muñecos de plástico MUY CANTOSOS para los planos de los bebés... Muy cutres. 

El resto está al nivel habitual de Eastwood en cuanto a planificación y dirección, con Cooper dándolo todo (se nota que el tío ha estado súper implicado y sabe que éste puede ser uno de los papeles de su vida, sino EL papel) y Sienna Miller simplemente acompañando. No es que su personaje requiera de más. Simplemente correcta.

En fin, como digo, a nivel de texto, me ha sido imposible conectar con la película, más por un problema ideológico que por otra cosa. No es que sea ni mejor ni peor. Las cosas son así, pero me quedo con la sensación de (ligera) decepción con esta película de Clint Eastwood.

jueves, 15 de enero de 2015

La Academia de Hollywood anuncia sus candidaturas a los Oscar 2015




La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood acaba de anunciar as candidaturas a los Oscar. Por número de candidaturas, destacan Birdman y El gran hotel Budapest, con 9 posibles premios cada una, y Boyhood y American Sniper, con 6 candidaturas.

De todas formas, las grnades favoritas son Birdman, El gran hotel Budapest y Boyhood, que además de optar al premio a la Mejor Película, también optan al de Mejor Director, cosa que el filme de Clint Eastwood, no (y de forma sorprendente, ya que antes de ayer, el DGA, o sindicato de directores, sí que nominó a Eastwood... En fin).

Entre las sorpresas, aparte de la ausencia de Eastwood en la categoría de Mejor Director, está la presencia de Bennet Miller como Mejor Director por Foxcatcher, el cuasi ninguneo de la Academia hacia Perdida, ya que sólo Rosamund Pike ha conseguido una candidatura (como Mejor Actriz) o la candidatura d eSteve Carrel como Mejor Actor por Foxcatcher.

Aquí podeís comprobar la lista completa.

Frikismo... Reportaje gráfico de Tokyo Story (Criterion Collection #217)

Aquí os dejo un pequeño reportaje fotográfico del digipack que Criterion se ha currado para Tokyo Story (Cuentos de Tokyo), la maravillosa película que Yasujiru Ozu dirigió en 1953. 

Espero que os guste.















lunes, 12 de enero de 2015

Ganadores de los Globos de Oro 2015



Esta madrugada se han dado a conocer en la típica gala los ganadores de los Globos de Oro 2015, e la que destacan Boyhood (Mejor Película - Drama y Mejor Director para Richard Linklater) y Birdman (Mejor Actor - Comedia o Musical para Michael Keaton y Mejor Guión), con dos premios para cada una y El gran hotel Budapest como Mejor Película - Comedia o Musical.

El listado completo aquí.

domingo, 11 de enero de 2015

Trailer de Run all night

Warner Bros ha publicado el primer trailer de Run all night, la nueva cinta del español Jaume Collet-Serra, que le vuelve a juntar con Liam Neeson tras Non-Stop, que fue un exitazo, todo sea dicho.

Pues eso, que Neeson sigue en plan badass.


Segundo trailer de Chappie, lo nuevo de Neil Blomkamp

Sony acaba de publicar un nuevo trailer de Chappie, la nueva peli de Neil Blomkamp (para un servidor, la gran esperanza blanca en la ciencia ficción), esta vez más centrado en la acción.

La cosa sigue prometiendo.


jueves, 8 de enero de 2015

Corazones de acero (Fury, David Ayer, 2014)




David Ayer se ha destapado como un tipo muy interesante, primero como guionista, y luego como director. Sus obras destacan por su retrato del grupo como unidad bajo circunstancias muy difíciles, mucha tensión y la camadería o no que une o desune al grupo, entendido como un todo, una unidad, un ser vivo, por así decirlo.

Ayer debutó como guionista con la cinta bélica U-571, que si bien se pasaba la verdadera historia de los hombres que se hicieron con el sistema Enigma por el arco del triunfo, es una de las cintas bélicas más entretenidas que ha podido ver, llena de ritmo y tensión. Su obra más importante hasta el estreno de Corazones de acero (Fury a partir de ahora... Vaya títulito que se ha ido a buscar Sony) ha sido el guión de Training Day, por el que Denzel Washington ganó su segundo Oscar al Mejor Actor, un thriller urbano muy seco, duro y contundente, que 14 años después de su estreno no pierde en su visionado y que ya tiene un ligero paralelismo con Fury, al contraponer a un agente novato pero con ganas de triunfar y hacer el bien con el día a día de un agente con el culo pelado de pegar tiros y buscarse la vida en la calle, lo que le acaba haciendo cruzar la línea roja que nunca debiera haber cruzado.

Entre el pasado año, Ayer ha cogido carrerilla como director, con el estreno de Sabotage, Fury y ha sido contratado por Warner Bros para escribir y dirigir la adaptación de Suicide Squad, que puede ser uno de los pelotazos de los próximos años, si le dejan hacer, claro.
Antes ya había dirigido otro par de thrillers urbanos, como son Vidas al límite (Harsh Times), Dueños de la calle (Street Kings) y Sin tregua (End of watch), y aunque tuvieron unas críticas bastante notables, no ha sido hasta este pasado 2014, como digo, cuando ha pegado un subidón en su carrera como director.

Si bien Sabotage ha sido un fracaso económico bastante grande, se ha demostrado que, problemas aparte con el montaje de la cinta (la secuencia final, sobre todo), es un thriller bastante a contracorriente de lo que se lleva hoy en día, muy poco políticamente correcto, y con un uso y empleo de la violencia, aparte de muy gráfico, como un elemento más a la hora de ir añadiendo tensión a la historia.

Y llegamos al plato fuerte, Fury, una cinta bélica a contracorriente por su escenario geográfico (Alemania en el último mes de guerra) como por el uso del tanque casi como un personaje más, como un elemento generador de claustrofobia que influye psicológicamente en los personajes.
El esquema básico de la cinta es exponer el deterioro mental al que están sometidos los soldados al final de la guerra, primero por el hecho de llevar, literalmente, años pegando tiros y matando, y segundo porque son conscientes de que la guerra está a punto de terminar pero pueden morir en cualquier momento. Ante esto, se presenta el joven recluta Norman, que prácticamente acaba de alistarse en el ejército, que nunca ha entrado en combate y al que el ambiente enrarecido de los veteranos y de la guerra y sus consecuencias más directas le sobrepasa, no adaptándose. El sargento Collier, Wardaddy, al mando del tanque, y curtido en mil batallas, le protege a su manera, intentando que entienda por las buenas  o por las malas cómo funciona la guerra: matas o te matan (excepcional la secuencia en la que Collier le OBLIGA a asesinar a un soldado alemán capturado tras una escaramuza. Cómo Pitt enfoca la escena, la violencia psícológica y física que emplea contra él es sobrecogedora) pero a su vez le protege y le mima como a ningún otro miembro del equipo, en otra secuencia genial en el piso con las dos mujeres alemanas, lo que provoca ciertas rencillas en los demás soldados, que hasta ese momento no terminan de entender que Norman es una buena persona y ellos no.

Es verdad que la evolución de Norman es algo forzada ya que el arco temporal de la cinta es muy corto, apenas unas 24-48 horas, y sirve más como motor de la historia, pero creo que es un error "menor" ya que el objetivo de la cinta, a mi entender, es mostrar la deshumanización a la que estuvieron sometidos los soldados y su comportamiento totalmente degenerado en según qué situaciones.

La dirección de Ayer sigue su estilo acostumbrado, apostando por el estilo seco y directo, sin florituras, directa al grano, pero tiene pasión y se nota que cree en el material con el que trabaja. El aspecto visual de la cinta está muy conseguido, sintiéndose la suciedad, el desgaste, etc... gracias a un muy buen diseño de producción y una fotografía a cargo de Roman Vasyanov, que refuerza la dureza y sequedad de la historia fotografiando un paisaje siempre nublado o nocturno (visualmente, la secuencia final sólo iluminada con el fuego de la batalla es muy buena, con planos geniales). Además, el uso de las balas trazadoras como recurso visual consigue planos también muy buenos en las batallas.

La pista de sonido es otro de los elementos notables de la cinta. Es verdad que el género bélico es un caramelo para cualquier técnico de sonido, pero aquí el departamento de sonido ha conseguido un trabajo muy bueno, que te hace sentirte dentro del tanque, en medio de las batallas y tiroteos.

La película me ha parecido una gran experiencia audiovisual y algo muy refrescante dentro del género bélico.

miércoles, 7 de enero de 2015

Candidaturas a los Goya 2014

Esta mañana se han anunciado las candidaturas a los premios Goya 2014, lideradas por La isla mínima, con 17 nominaciones, y seguida por El niño, con 16 candidaturas. Relatos salvajes se convierte en la tercera película con más candidaturas, 9.

Aquí os dejo el listado completo de las candidaturas.